Fuente: Listin diario
Beyoncé no necesita que se le recuerde: la moda, cuando se emplea de forma adecuada, es una verdadera manifestación artística.
Ahora, la superestrella innovadora tendrá otra ocasión para reafirmar su postura. Al copresidir la Gala del Met en mayo, todas las miradas estarán puestas en las escaleras del Museo Metropolitano de Arte para observar cómo una de las mujeres más observadas del mundo, en su octava participación en este evento, interpreta la consigna: “La moda es arte”.
El lunes, el museo dio a conocer el código de vestimenta junto con algunos detalles sobre la gala, incluyendo los nombres de los nuevos invitados. A las principales copresidentas —Beyoncé, Nicole Kidman, la tenista Venus Williams y Anna Wintour de Vogue— se suma un “comité anfitrión” liderado por el diseñador Anthony Vaccarello y la cineasta Zoë Kravitz, que incluye figuras como Sabrina Carpenter, Teyana Taylor, Lena Dunham y Misty Copeland. Entre las nuevas incorporaciones figuran la actriz Angela Bassett y la atleta Aimee Mullins.
Ellos, junto con el resto de asistentes, ya están pensando qué atuendo elegir para el 4 de mayo. El código parece diseñado para ofrecer la máxima libertad. Y, como comenta en tono de humor Andrew Bolton, curador del Instituto de Vestuario del Met: “Ojalá esto ponga fin al anticuado debate sobre si la moda es arte”.
Un recorrido histórico por el “cuerpo vestido”
Para Bolton, sin embargo, lo más relevante es la exposición, parafraseando a Hamlet. Como saben quienes asisten a la gala, esta gran celebración no solo recauda fondos para el instituto —un departamento autofinanciado— sino que también funciona como plataforma para presentar la exposición anual de moda de primavera. Comisariada por Bolton y su equipo, esta edición titulada “Arte del Vestuario” busca mostrar la moda como un hilo conductor a lo largo de toda la historia del arte.
Esta muestra será la más extensa en cuanto a objetos que el instituto haya organizado hasta ahora: casi 400 piezas en total, con 200 prendas y 200 obras de arte provenientes de todo el museo, exhibidas en parejas. “Es una bestia”, comentó Bolton con cierto cansancio mientras guiaba recientemente a un periodista por los primeros pasos de la muestra.
La propuesta consiste en analizar el cuerpo vestido desde todos sus ángulos y resaltar que no solo la moda es arte —como han demostrado exhibiciones previas— sino que el arte también puede entenderse como moda. “Es una inversión de lo que hemos hecho antes”, señala Bolton. “Ahora observamos el arte a través del prisma de la moda”.
En términos prácticos, esto implicará que una obra expuesta dentro de una vitrina —por ejemplo, un jarrón de la antigua Grecia— estará acompañada encima por una prenda del extenso archivo del museo que remite a la vestimenta que lucen las figuras plasmadas en ese vaso.
Por ahora, paredes repletas de notas adhesivas
Actualmente, ese jarrón está representado solo por una pequeña fotografía a color pegada entre muchas otras en las paredes de una modesta sala de conferencias ubicada en las entrañas del museo; allí abundan también las notas Post-it. Bolton ha pasado mucho tiempo en ese espacio que parece más bien el cuarto de un adolescente (aunque uno muy culto).
El curador recorre las paredes señalando cada una de las 12 secciones diseñadas para exhibir la diversidad corporal y los distintos tipos de cuerpos presentes en el arte. Algunos son muy comunes, como el cuerpo clásico o el desnudo.
Otros han sido ignorados durante mucho tiempo, como el cuerpo discapacitado, envejecido o corpulento. Bolton apunta que dentro del arte el cuerpo corpulento ha sido usado casi exclusivamente como símbolo de fertilidad. “Se asocia siempre la corpulencia con fertilidad”, explica.
También está presente el cuerpo embarazado, igualmente poco explorado en la historia del arte y la moda. Aquí se combina “Mujer embarazada” de Edgar Degas —una escultura naturalista que ofrece una perspectiva rara sobre la maternidad del siglo XIX— con un vestido diseñado en 1986 por Georgina Godley que exhibe curvas exageradas y acolchadas; esta prenda se define como una “crítica feminista radical” hacia las convenciones tradicionales de la moda.
La exposición aspira a destacar la variedad corporal y también busca que los visitantes puedan verse reflejados en algunas piezas; por ello los maniquíes tendrán cabezas con superficies pulidas en acero que funcionan como espejos y fueron creadas por el artista Samar Hejazi.
Un nuevo espacio destacado para la moda en el Met
Bolton, quien ha comisariado numerosas exposiciones emblemáticas sobre vestuario en el Met, cuenta que sintió una presión especial para lograr “algo espectacular”. Esto se debe a que “Costume Art” será inaugurada con gran pompa en unas nuevas galerías destinadas a exposiciones de moda dentro del museo. Las Galerías Condé M. Nast aprovechan lo que antes era la tienda del museo y ocupan cerca de 1.115 metros cuadrados (12.000 pies cuadrados) junto al Gran Salón.
Esto permitirá que los asistentes a la gala puedan recorrer cómodamente la muestra y luego dirigirse fácilmente a cenar al Templo de Dendur o alternar entre ambos espacios sin dificultad. Además, cuando abra al público el 10 de mayo ayudará a evitar largas filas en otras zonas del museo.
Las galerías —todavía en proceso de construcción— cuentan con dos salas principales con distintas alturas: una con techo de 5,5 metros y otra con 2,7 metros; están diseñadas para facilitar un movimiento fluido entre ellas. “Hay una permeabilidad”, comenta Bolton.
Él considera esta exhibición ya uno de los hitos más notables en su carrera y un claro mensaje intencional.
“Queremos dejar claro que esto es algo que podemos hacer aquí en el Met”, explica. “Tenemos acceso a 16 departamentos curativos dentro del museo”. Y por supuesto a más de 33 mil prendas pertenecientes al instituto. “Realmente nadie más posee esta capacidad”, afirma Bolton.
Confía en que esta muestra no solo inaugure nuevas galerías sino también una nueva etapa colaborativa con otras áreas del museo que eleve a la moda —simplemente— al primer plano.
“Costume Art” estará abierta desde el 10 de mayo hasta el 10 de enero de 2027.
Este contenido fue hecho con la asistencia de una inteligencia artificial y contó con la revisión del editor/periodista.
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