Fuente: Listin diario
La comedia negra y sátira están bajo la dirección del cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu y cuentan con Tom Cruise como protagonista.
Alejandro G. Iñárritu nunca se ha caracterizado por la modestia en su labor cinematográfica. Sus filmes suelen abordar grandes conflictos humanos a través de estructuras ambiciosas, personajes atormentados y una puesta en escena que transforma crisis individuales en reflexiones sobre la existencia. Esta tendencia ha dado lugar a obras excepcionales, aunque también ha generado críticas hacia un director que en ocasiones parece excesivamente fascinado por la importancia de sus propias ideas. Con Digger, Iñárritu lleva esta inclinación hacia la sátira política y la reflexión metacinematográfica, reuniendo a Tom Cruise con un elenco destacado para construir una comedia sobre el poder, la destrucción ambiental y la incapacidad del arte para cambiar el mundo. El resultado es una película visualmente impactante y conceptualmente ambiciosa que, irónicamente, termina evidenciando algunos de los problemas que busca denunciar.
Cruise interpreta inicialmente a Digger Rockwell, un magnate petrolero texano cuya riqueza parece haberlo convencido de que las leyes naturales también deberían someterse a su voluntad. Ya entrado en años, con barriga prominente, poco cabello y una confianza casi inquebrantable, Digger reside en una mansión extravagante donde presta más atención a su gato moribundo que a las advertencias provenientes de una de sus plataformas petroleras en el Ártico. Sus empleados llevan tiempo alertando sobre los riesgos de las perforaciones, pero admitir el peligro implicaría reconocer que su imperio podría haber cometido un grave error.
La situación se torna catastrófica cuando una explosión provoca el desprendimiento de una enorme masa de hielo que comienza a desplazarse hacia Europa, amenazando con originar tsunamis devastadores. El científico Ganesh, interpretado por Riz Ahmed, intenta explicar la gravedad del desastre mientras el presidente estadounidense Compson, encarnado por John Goodman, junto con sus colaboradores buscan una solución que evite tanto la catástrofe como cualquier responsabilidad política.
Iñárritu establece rápidamente un universo donde la riqueza anula cualquier relación lógica entre poder y competencia. Digger percibe cada advertencia como un ataque personal; el presidente parece incapaz de comprender la magnitud del problema y los funcionarios debaten soluciones absurdas mientras el desastre avanza inexorablemente. Aquí la película encuentra terreno familiar para la sátira contemporánea: empresarios que privatizan ganancias y socializan pérdidas, gobiernos subordinados a intereses corporativos y una humanidad incapaz de renunciar a las comodidades que contribuyen a su propia destrucción.
Sin embargo, Digger introduce un giro narrativo que cambia radicalmente lo que estamos viendo. La película revela que esa crisis apocalíptica es parte de una representación teatral llamada Fossil Fools, y que Cruise también interpreta a Curtis Markson, el actor encargado de dar vida al magnate petrolero. Lo que parecía una sátira política directa se convierte en una historia sobre artistas intentando representar esa realidad misma, con ensayos, conflictos creativos y debates acerca de la utilidad de una obra diseñada para denunciar las contradicciones del mundo actual.
Esta revelación contiene una idea prometedora. Iñárritu parece interesado en examinar lo fácil que resulta convertir el arte político en un ejercicio de superioridad moral, especialmente cuando sus creadores confunden la claridad de sus posturas con la complejidad de una reflexión profunda. Fossil Fools es deliberadamente estridente; sus personajes hablan como caricaturas ideológicas y cada intervención parece destinada a confirmar lo que el público ya piensa sobre empresarios, políticos y destrucción ambiental.
El problema surge cuando Digger sigue dedicando gran parte de su duración precisamente a esa representación. Si su intención es cuestionar las limitaciones de una sátira demasiado evidente, Iñárritu nos obliga a permanecer demasiado tiempo dentro de ella. Los personajes gritan, las discusiones se intensifican y las ideas se repiten con ligeras variaciones, pero la película rara vez ofrece una perspectiva que transforme nuestra comprensión del conflicto. La posibilidad de que todo ese exceso sea intencionado no elimina el agotamiento que genera observarlo.
La comparación con Dr. Strangelove resulta inevitable y reveladora. Stanley Kubrick entendía que el absurdo político funciona mejor cuando sus personajes consideran perfectamente racionales las ideas más monstruosas. Por su parte, Iñárritu parece creer que la exageración debe estar siempre explícita. Sus empresarios son grotescos desde el inicio, sus políticos incompetentes y sus instituciones ridículas desde el primer momento, lo cual limita considerablemente las posibilidades de sorpresa. La película identifica correctamente muchas contradicciones del capitalismo contemporáneo, pero señalarlas insistentemente no equivale necesariamente a crear una sátira eficaz.
Algo similar sucede con Don't Look Up, de Adam McKay, otra comedia apocalíptica centrada en la incapacidad institucional para enfrentar una amenaza evidente. Iñárritu parece querer cuestionar ese tipo de cine donde la indignación política reemplaza a la exploración dramática. Sin embargo, su propia película reproduce muchos de esos mecanismos e incorpora una estructura autorreferencial que dificulta discernir entre crítica consciente y fallas que supuestamente analiza.
Tom Cruise es la principal razón para mantener el interés. Tras años perfeccionando una imagen cinematográfica basada en el control físico, la resistencia y el heroísmo, aquí encuentra la oportunidad de destruir deliberadamente esa identidad. Su Digger es vulgar, arrogante, físicamente extravagante e incapaz por completo de reconocer sus limitaciones. El maquillaje transforma su apariencia física, pero lo más llamativo es cómo utiliza su energía habitual para construir a un hombre cuya confianza excesiva termina siendo peligrosa.
La presencia de Curtis Markson añade una dimensión potencialmente fascinante. Cruise interpreta a un actor tratando de comprender cómo representar a alguien moralmente repulsivo sin convertirlo en una caricatura desprovista completamente de humanidad. Esta preocupación podría funcionar como comentario sobre la propia carrera del actor, quien durante décadas ha forjado su identidad pública alrededor de personajes extraordinariamente competentes. Interpretar a un hombre incapaz de reconocer sus errores permite observar cómo esa misma seguridad puede tornarse monstruosa.
No obstante, Iñárritu no profundiza lo suficiente en esa posibilidad. Curtis tiene preocupaciones personales —especialmente relacionadas con su hija— pero su historia queda supeditada a las excentricidades del montaje teatral. El contraste entre actor y personaje debería ser el centro emocional del filme para ayudarnos a entender qué significa representar una catástrofe mientras se intenta mantener cierto control sobre la propia vida. En cambio, ambas dimensiones compiten constantemente por nuestra atención sin enriquecerse realmente.
Riz Ahmed ofrece quizá la interpretación más equilibrada del conjunto. Su Ganesh mantiene una ansiedad reconocible incluso cuando los hechos adquieren dimensiones absurdas. Frente a personajes empeñados en pronunciar discursos cada vez más escandalosos, Ahmed halla pequeños instantes de desconcierto y humor que demuestran cuánto habría ganado el filme con mayor modulación.
John Goodman disfruta interpretando al grotesco presidente cuya incompetencia resulta inquietantemente familiar; Jesse Plemons aporta un toque excéntrico al productor teatral Kenny; mientras Michael Stuhlbarg y Sandra Hüller permanecen desaprovechados en un reparto cuya acumulación talentosa supera las oportunidades dramáticas disponibles. La película reúne intérpretes capaces de sostener contradicciones complejas pero con demasiada frecuencia les pide representar ideas antes que personajes.
Donde Digger resulta verdaderamente impresionante es en su puesta visual. Emmanuel Lubezki emplea perspectivas bajas, composiciones distorsionadas y movimientos camerales que magnifican figuras absurdamente poderosas. La imagen nos obliga a mirar desde abajo a personas cuya posición no merecen ocupar; esta estrategia genera momentos auténticos de incomodidad y le otorga al vínculo entre poder político y espectáculo una dimensión tangible.
El diseño artístico realizado por Dennis Gassner y Richard L. Johnson es igualmente notable. Los escenarios teatrales, pinturas murales y estructuras móviles crean espacios cuya artificialidad resulta evidente pero fascinante al mismo tiempo. Algunas transiciones entre niveles representativos poseen inventiva suficiente como para recordar por qué Iñárritu sigue siendo uno de los directores más audaces formalmente en su generación: puede cambiar nuestra percepción espacial mediante simples movimientos camerales o revelar que lo monumental depende solo de un mecanismo escénico.
Pero esta sofisticación visual también expone una debilidad: Iñárritu parece mucho más interesado en explorar las posibilidades del dispositivo formal que en comprender plenamente a las personas atrapadas dentro del mismo. El trabajo de Lubezki introduce constantemente nuevas formas para observar el espectáculo mientras el guion ofrece pocas razones para reconsiderar lo ya sabido acerca de sus personajes. La música compuesta por Cosmo Sheldrake contribuye a esta sensación saturada al reforzar escenas ya cargadas al máximo volumen.
La comparación quizás más esclarecedora sea con Synecdoche, New York (Charlie Kaufman), otro filme donde la representación artística acaba absorbiendo la realidad misma. Kaufman utilizaba su construcción metacinematográfica para explorar mortalidad, miedo al fracaso e imposibilidad de comprender plenamente nuestra existencia; su complejidad formal estaba sostenida por vulnerabilidad emocional que impedía convertir el experimento en mero ejercicio intelectual.
En Digger existe mayor distancia entre artificio y experiencia humana. Iñárritu manifiesta fascinación por las contradicciones del artista que denuncia un sistema mientras disfruta sus privilegios; sin embargo esa autocrítica nunca alcanza profundidad suficiente. La película reconoce cómo el espectáculo puede transformar indignación en entretenimiento y cómo obras políticamente comprometidas pueden devenir ejercicios vanidosos; lo frustrante es ver cómo parece incapaz de escapar él mismo esa trampa.
Esta contradicción conecta directamente con Birdman y Bardo: ambas películas utilizan estructuras fragmentadas para explorar identidad, creación y reconocimiento. Birdman canalizaba energía extraordinaria al confrontar imagen pública e inseguridad personal; Bardo convertía preocupaciones políticas y personales del director en experiencia visual oscilante entre memoria sueño y confesión.
Digger comparte esas obsesiones pero carece del personaje vulnerable capaz de sostenerlas: Curtis Markson debería cumplir ese rol aunque permanece demasiado alejado del centro narrativo. La crisis ecológica, representación teatral y reflexión sobre artista conviven como ideas interrumpiéndose mutuamente mientras emoción queda relegada solo a breves momentos aislados.
Asimismo presenta un problema político más profundo: su crítica al poder corporativo es tan obvia que apenas permite examinar los mecanismos mediante los cuales ese poder logra legitimarse. Digger pronuncia discursos sobre dependencia mundial del petróleo e hipocresía quienes condenan industria pero consumen sus productos; sin embargo el guion no desarrolla suficientemente esas contradicciones argumentales resultando así satírico superficial: intenta denunciar sistema complejo mediante personajes expresándose solo en términos absolutos.
Iñárritu demuestra nuevamente poseer recursos extraordinarios para transformar ideas abstractas en imágenes inolvidables; sin embargo Digger revela también que ambición formal necesita algo más allá de premisa provocadora para sostenerse: parece confiar en acumulación narrativa para lograr profundidad cuando cada nueva estructura termina alejándonos aún más del centro emocional posible.
Tom Cruise merece reconocimiento por asumir riesgo interpretativo tan distinto a su imagen habitual: despliega libertad recordando algunos momentos dramáticos notables demostrando todavía puede ser impredecible cuando abandona obligación interpretativa del hombre más competente en sala; sin embargo ni siquiera su energía basta para resolver filme demasiado enamorado suyo propio mecanismo como para preguntarse si realmente funciona.
Digger pretende hablar sobre fin del mundo irresponsabilidad política limitaciones arte como instrumento transformador; también busca examinar artistas convirtiendo tales preocupaciones en espectáculos dirigidos públicos probablemente ya alineados ideológicamente; son ideas valiosas presentadas con tal insistencia quese diluyen finalmente: tiene imágenes extraordinarias actuaciones arriesgadas construcción técnica admirable aunque inteligencia conceptual rara vez logra forma dramática convincente.
Ironía final: Digger termina pareciéndose demasiado a aquello que cuestiona: obra convencida importancia temática justifica cualquier exceso.
Iñárritu sigue capaz construir imágenes inimaginables para muchos cineastas contemporáneos aunque aquí parece olvidar complejidad fílmica depende no solo cantidad ideas sino relación establecida entre ellas mismas personas experimentándolas.
Su protagonista pasa gran parte excavando perforando negándose reconocer consecuencias decisiones; lamentablemente director hace algo similar con filme profundizando ambiciones mucho después haber perdido vista aquello buscaba encontrar.
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